This interview is published on Art Reveal Magazine, in May Issue, 2017. You can read below the interview on Art Reveal On line Magazine or under the picture, in the post where you will find the original English and the translation into Italian.

When, how and why started your art practice?

Even when I was a child I used to get a physical kick out of painting and drawing, but it was only when I was around 14 and at art school that my approach got more serious and structured. I remember one particular episode which made me ‘discover the true meaning of a commission’. Basically after my brother was born my mother seemed to have less time for me, or at least that’s how it felt to me, and the idea came to me to take a Mickey Mouse comic book and copy its cover. I showed the result to my mother and I still remember the look of amazement on her face, and that look was the stimulus to me to produce another forty or so of the same. That day I discovered the true meaning of a ‘commission’ and you could say that what I always seek to achieve is that same look of wonder in the eyes of those who view my work.

Professionally, what’s your goal?

This endeavour has been a constant but it’s only in the last couple of years that i’ve felt sure enough of the results achieved so far to exhibit them. I’d like to complete two ambitious works i’m working on at the moment: I’m thinking of an inter-action between sound and image and to this end am hoping to bring on board composers and musicians, and the second is being able to exhibit with a good corpus of work to enter into an art circuit that will give me the possibility to compare and share experiences. Let’s say that being able to successfully exhibit one’s work without necessarily having to compromise is an excellent goal to aim for.

Do you think of yourself as a conceptual artist?

If we think of the conceptual artist as someone who takes an object where its meaning acts as a catalyst, that is not what interests me, or rather it’s an interesting route to follow but not for me. For me the working process, the technical aspect, is central to what I do. I don’t want to belittle the ‘descriptive’ aspect of the work but I think it’s the result of a precise and meaningful manual act and this manual act must resonate with what I am in every single sign I leave on the surface. The signifier is also the meaning itself. The painting or drawing are a concrete representation of themselves even if they inevitably leave a space for a variety of triggers for each individual viewer. What I put on the surface is a construct, or at least this is the result I seek to achieve, so that the viewer is directed towards a vision in the particular after having had an initial overview. I would like my work to be seen as close as possible to the support medium.

Who or what has a lasting influence on your art practice?

I can’t deny that my country’s artistic tradition inevitably leads to the idea of a work of art on the basis of its compositional structure and at the same time its formal exploratory dimension. Renaissance and baroque are part of a heritage that constantly emerges in every Italian designer or painter, yet the evocations and personal passions which mature the choice towards one artistic direction rather than another go beyond this. In my specific case there is an ideal line running from Giotto through Cezanne to Picasso and Bacon who have had a decisive influence on my reading of reality which I am very aware of and which at a formal level, does not so much influence as determine the background noise which is a constant in my work. I imagine it was the same with other artists’ influences on these ones.

In your opinion what does art mean in contemporary culture?

Matta liked to repeat that ‘art is a weighty matter’, while Cezanne wrote that every work of art should teach us something’, to which I would add that the artistic manifestation is something which produces emotion and transmits a message via a formal process. In the field of visual art we are witnessing a fragmentation unparalleled in any other historical period. The avant-garde have run out of steam, after being structured in a precise context and with recognisable elements we now find ourselves buried by images which multiply ad infinitum and seek to amaze – inventiveness at any price – maybe even provocativeness at any price. On the other hand i.e. from the ‘user’s’ perspective, what we have is considerable confusion, generally linked to a superficial knowledge of the subject and a cultural preparation which when it comes to interpreting the image is very approximate and produces an easily satisfied and undemanding superficiality. For me the work of art is key for reading the future, and I would say the artist is a kind of shaman, but this interpretation of complex reality which gives us a glimpse of the future navigates a sea of images and is not so easy to identify. The spectacle of art does not equate to art as spectacle and to get back to being at the centre of attention it must be first identified, which is no easy matter. In a room full of people shouting things out for effect, listening to a person saying something ‘profound’ and in a normal voice is impossible. Sometimes it does come out and that is a miracle.

What is the most challenging part about working with traditional media?

So the knowledge comes first – knowing what is the right support for one medium compared to another, be it canvas, cardboard, aluminium or plexiglass. Familiarity with the behaviour of the substances making up the colours or materials I am using. Certain colours, if we are talking about oils or tempera are made up of mineral or organic substances whose combination may give disappointing results for reasons of chemistry so that those two colours should not be mixed together. Accordingly for any medium the technique and a through understanding of how to use the materials is an essential prerequisite for recognising what are the limits and possibilities for using the materials in question.

Whenever one decides to start a work it is done in the context of the material to be used. Indeed I should perhaps emphasise that the so-called digital painting I ’employ’ also requires a practical knowledge of the means adopted. Buying a box of colours or downloading an app doesn’t make anybody an artist nor indeed a painter, which would in itself be quite something. Today there are numerous photographic effects which enable us to produce similar effects to a job done by hand but their ultimate effect is superficial as they are a all more or less the same. The practical process costs effort which in the end pays off because it allows us to conceive formal inventions which help and stimulate the whole production process of the work in question.

What advice can you give to those who are just starting out in the arts?

My advice is to always start from the drawing and the composition. The acquisition of manual dexterity is necessary ind is achieved solely and exlcusivley through constant practice. It’s like learning to play an instrument. You have to keep on trying this and that, be lucky enough to have a good teacher and if you don’t have one then learn from nature, by which I mean the reality around you and the work of artists who feed your curiosity and sensitivity. I think this is an essential prerequisite even for someone pursuing a path which is seemingly remote from painting or sculptural practIce in the traditional sense, as it allows a whole bag of technical tricks which can be made available for the creative act with whatever material is used. Formal practice allows us for example to choose the appropriate means to express a certain type of composition, a broader awareness and the broader the range of expressive possibilities. The idea should always be able to rely on a manual ability which allows it to manifest itself and to materialise. One last thing I want to add is that what has always been the moving force behind my work is to have an infinite respect for the person interacting with my work.

Translate in Italian:

Come, quando e perchè hai iniziato a dedicarti all’arte?

In maniera seria e strutturata da un punto di vista metodologico intorno ai 14 anni mentre frequentavo il liceo artistico ma da che ho memoria da sempre, ho sempre provato un piacere fisico nella pratica della pittura o del disegno, fin da piccolo. Mi ricordo sempre di un particolare episodio che mi ha fatto per così dire scoprire la committenza in un certo senso. In breve mia madre mise al mondo mio fratello e da quel giorno notai che mi considerava meno, almeno questa era la mia percezione, quindi mi venne l’idea di prendere un fumetto di topolino e di copiarne la copertina. Lo mostrai a mia madre e mi colpì la sua espressione di stupore a tal punto che gliene feci almeno una quarantina. Avevo trovato la committenza e da quel giorno si può dire che io ricerchi in fondo sempre quella stessa espressione negli occhi di chi vede i miei lavori.

Professionalmente, qualè l’obiettivo della tua ricerca?

La mia ricerca è sempre stata, continua ma è da un paio di anni che mi sento sicuro dei risultati fin qui ottenuti e pronto a mostrarli. Vi son due strade che percorro, la prima è proporre due progetti a largo respiro su cui sto lavorando, essi hanno bisogno di un grande spazio, sto pensando ad una interazione fra suono ed immagine e quindi sto lavorando per poter coinvolgere dei compositoori e dei musicisti, e la seconda è poter esibirmi con un buon corpus di lavori ed entrare in un circuito artistico che mi dia la possibilità di confrontarmi e condividere esperienze. Diciamo che riuscire a poter esporre le proprie opere senza giungere per forza a compromessi sia già un ottimo obiettivo da raggiungere.

Puoi definirti un’artista concettuale??

Se per artista concettuale intendiamo proporre l’idea dell’oggetto dove il suo significato sia catalizzante non è quello che mi interessa, o meglio è un percorso interessante ma non è il mio. Penso che il lavorio, la questione tecnica sia centrale in ciò che faccio. Non voglio sminuire l’aspetto “descrittivo” dell’opera ma ritengo che sia il risultato di un preciso e significativo atto manuale e quell’atto manuale deve restituire ciò che sono in ogni singolo segno che lascio sulla superficie. La risposta sta nel significante che è al tempo stesso significato. Il dipinto o il disegno rappresentano se stessi concretamente anche se inevitabilmente lasciano spazio a varie suggestioni in ogni singola persona che li guarda. Ciò che metto sulla superficie è costruito, o almeno questo è il risultato che io voglio ottenere, in modo tale che lo spettatore sia spinto ad una visione nel particolare dopo aver avuto una visione d’insieme. Mi piacerebvbe che le mie opere fossero viste il più vicino possibile al supporto.

Chi o cosa ti ha influenzato nella tua pratica artistica?

Non posso negare che la tradizione artistica della mia nazione non possa che portare inevitabilmente verso la concezione di un’opera secondo la sua struttura compositiva e contemporaneamente la sua dimensione esplorativa formale. Rinascimento e barocco fanno parte di un’eredità che costantemente emerge in ogni disegnatore o pittore italiano, tuttavia le suggestioni e le passioni personali che maturano la scelta verso una direzione artistica più che un’altra ci sono al di là di questo. Nel mio caso per essere concreti stanno su una linea ideale e si chiamano Giotto- Cezanne – Picasso e Bacon che hanno determinato una lettura della realtà di cui è difficile non tenerne conto e che formalmente può, più che influenzare, determinare un rumore di fondo costante nelle mie opere. Come immagino altri artisti possano esserlo stati per loro.

La tua opinione sul significato dell’arte nella cultura contemporanea?

Matta amava dire che “l’arte è una cosa grave” e ancora, e qui finisco con le citazioni, Cezanne scriveva che da ogni opera d’arte deve risultare un insegnamento, e io aggiungo: la manifestazione artistica è qualcosa che produce emozione e che veicola un messaggio attraverso una pratica formale. Nel campo dell’arte visiva in questo momento assistiamo ad una frammentazione come mai sia avvenuta in ogni altra epoca storica. Finito il carburante delle avanguardie, che erano strutturate in un preciso contesto e con elementi riconoscibili ci troviamo sepolti da immagini che si moltiplicano all’infinito e che cercano lo stupore, l’invenzione a tutti i costi, oserei dire anche la provocazione a tutti i costi. Dall’altra parte e cioè da quella del fruitore si ingenera una grande confusione, che legata generalmente ad una conoscenza poco approfondita dell’argomento e una preparazione culturale, per quanto riguarda la lettura dell’immagine, molto approssimativa produce una richiesta superficiale e viene accontentato. Ecco a mio avviso l’opera d’arte è molto importante per una lettura del futuro, definirei l’artista come una sorta di sciamano, ma quella lettura della realtà tanto complessa e che aiuta ad avere uno sguardo sul futuro naviga in un maremagnum di immagini ed è difficile poterla identificare. Lo spettacolo dell’arte non è l’arte spettacolarizzata e per tornare ad essere messa al centro dell’attenzione deve essere prima individuata e non è semplice farlo. In una stanza piena di persone che urlano frasi ad effetto ascoltare una persona che usa frasi “profonde” ma parla a voce normale è impossibile da ascoltare. Qualche volta accade che venga alla luce ed è un miracolo.

E’ una sfida quella di lavorare con media tradizionali?

Conoscerli innanzitutto. Sapere quale sia il supporto giusto per un tipo di medium rispetto ad un altro, sia tela cartone alluminio o plexiglass. Conoscere il comportamento delle sostanze con cui sono composti i colori o il materiale che uso. Certi colori, se parliamo del colore ad olio o della tempera son formati da sostanze, minerali o organiche la cui unione può presentare dei risulati scadenti per una ragione chimica e che quindi mescolare quei due colori insieme non va fatto. E così per qualsiasi medium la pratica e l’approfondimento sull’uso dei materiali sono condizione essenziale per riconoscere quali sono i limiti e le possibilità di utilizzo dei medesimi.Ogni volta che si decide di iniziare un lavoro lo si fa in ragione del materiale che si va ad usare. Questa domanda mi da la possibilità di puntualizzare che la cosidetta pittura digitale che io “adopero” ha anch’essa bisogno di una preatica e conoscenza del mezzo necessarie. Comperare una scaltola di colori o scaricare un programma non trasforma nessuna o nessuno in un artista né tantomeno in un pittore, che sarebbe già moltissimo. Oggi vi sono molti effetti fotografici che permettono di sfoggiare stili simili a degli handcraft ma alla fine risultano stucchevoli, perchè simili l’uno all’altro. La pratica costa fatica ma alla fine ripaga perchè dà la possibilità di concepire invenzioni formali che aiutano e stimolano la produzione stessa del lavoro.

Che consiglio puoi dare a chi intende iniziare la pratica artistica?

Il mio consiglio è quello di partire sempre dal disegno e dalla composizione. Non mi stancherò mai di dirlo. L’acquisizione della manualità necessaria per saper leggere e dare una nostra interpretazione del mondo con dei segni, si ottiene solo ed esclusivamente con la pratica costante. Non è diverso che suonare uno strumento. Devi provare e provare, aver la fortuna di trovare un buon maestro e se non ce l’hai usare come maestro la natura stessa, intesa come realtà intorno a te e le opere degli artisti che alimentano la nostra curiosità e sensibilità. Questa a mio avviso è una condizione essenziale anche per chi sviluppa un percorso apprentemente lontano dalla pratica pittorica e scultorea nel senso tradizionale, perchè consente di avere un bagaglio tecinco in grado di poter essere messo a disposizione sempre quando si concepisce solo anche l’idea di una composizione qualsiasi essa sia e con qualsiasi materiale venga prodotta. La pratica formale nel mio caso mi consente di scegliere ad esempio il mezzo adatto per esprimere un certo tipo di composizione, più ampia è la mia conoscenza e più ampio è il ventaglio di possibilità espressive. L’idea deve sempre poter contare su una manualità che consenta ad essa di uscire fuori, di materializzarsi. Un’ultima cosa mi preme dire e che è poi ciò che muove il mio lavoro da sempre,avere un rispetto per colui o colei che si troverà davanti ad un mio lavoro, infinito.